En la historia de la fotografía, las innovaciones técnicas han tenido como objetivo, mejorar la calidad de las imágenes y conseguir una mayor comodidad para el fotógrafo. El reto se encontraba en dar las mejores prestaciones en el tamaño más reducido posible. La fotografía tradicional o analógica ha contado con tres formatos diferenciados: Cámaras Gran Formato o cámara de placas, que producen originales que van desde 9×12cm hasta 20×25cm; cámaras de medio formato, que producen originales que van de los 6×4,5cm, 6×6cm, 6×7cm, 6×9cm hasta los 6×12cm; y cámaras de pequeño formato ó de 35 milímetros. Las cámaras de 35 milímetros se popularizaron por su manejabilidad y las de 35 mm réflex, por la posibilidad de un control casi absoluto sobre cada uno de sus elementos y parámetros. Además disponen de multitud de accesorios intercambiables para distintos propósitos. Pero con todas estas ventajas, son las cámaras de mayor formato las que producen mejor calidad, ya que sus formatos recogen más información. Esta relación de formatos se traslada de igual manera a la fotografía digital. Las cámaras digitales con sensores del mismo tamaño que la película de 35mm o menores, pertenecen a una amplia familia de cámaras cuyo uso se ha popularizado a una velocidad vertiginosa. Pero continúan siento las cámaras digitales de medio formato o gran formato las que producen un resultado óptimo en trabajos profesionales. Publicistas y fotógrafos de moda encuentran en las cámaras de medio formato, la calidad y la manejabilidad necesarias para un trabajo cómodo y profesional. No se trata de cámaras con un motor de disparo muy rápido y muchas veces ni tan siquiera con sistema de autofoco, pero sí con una calidad excepcional gracias a las tecnologías de última generación. A esto le sumamos el “factor inmediatez” que conseguimos en la sesión, gracias a la comunicación directa entre cámara y ordenador. Viendo “in situ” los resultados que se están obteniendo en los disparos, el fotógrafo puede mejorar los detalles durante la misma sesión. También hay que señalar que el coste de estas cámaras digitales de medio formato, se aleja bastante de de los precios de las cámaras de pequeño formato, pudiendo llegar hasta los 35.000 euros por un equipo de medio formato digital. Los fabricantes de cámaras de digitales de medio formato que podemos encontrar en el mercado, como Phase One, Hasselblad, Sinar, Mamiya o Pentax, van desarrollando modelos cada vez más potentes y sofisticados. Los últimos rumores apuntan que Pentax va a sacar un nuevo modelo. Sería la Pentax 645D, con un sensor de Kodak de unos 39 megapíxeles. Estas son las webs de las tres casas más punteras en la fabricación de cámaras de medio formato. www.hasselblad.es www.phaseone.com www.mamiya.com

Vídeo de una sesión fotográfica de publicidad de alimentos, con cámara de medio formato digital:

Fotografía y Sociedad desde sus orígenes hasta el siglo XXI.

Historia de la fotografía en España no es sólo una historia rigurosa de la fotografía española, sino una lúcida reconstrucción de un período apasionante de la historia contemporánea. La obra muestra la evolución de la fotografía hecha en España desde la introducción del daguerrotipo en 1839, hasta la frontera de los siglos XX y XXI. El libro constituye, además, un deslumbrante espejo gráfico de la imagen de la vida española, así como de la intrahistoria política, social, cultural, industrial.

A través de más de seiscientas fotografías, procedentes de más de cien archivos y colecciones españolas y extranjeras, nos acercamos a la realidad de la España pretérita y al cambio profundo operado en ella, especialmente en los años que siguieron a la transición democrática.

Las imágenes muestran a los primeros y temblorosos trenes y diligencias, retratos de toreros, políticos, escritores, artistas y espadones célebres; acontecimientos relevantes, desde las guerras carlistas, la revolución de 1868 o las desgraciadas campañas de Marruecos, hasta la guerra civil y la esforzada lucha por la democracia; las transformaciones industriales y urbanísticas; y una galería de personajes populares, como santeros, tomadores del dos, boyeros, arrieros, especieros, buhoneros y toda la fauna trashumante de la época, incluyendo a los propios fotógrafos ambulantes.

La obra, didácticamente estructurada en tres partes, muestra la evolución técnica de la fotografía, desde los años del daguerrotipo y el calotipo, hasta la nueva era digital. Se trata de la primera gran historia social de la fotografía española.

En la historia de la fotografía este libro marca un antes y un después. Constituye un auténtico punto de inflexión por dos razones básicas: la calidad de su estética fotográfica y su extensa e intensa crítica a la sociedad norteamericana. Sin embargo, para entender esta excepcional obra conviene comenzar situando a su peculiar autor.
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1810, 1910, 2010. Se cumple el segundo centenario de la independencia en Mexico y el primero, desde que el fotógrafo Eugenio Espino Barros publicase sus fotografías en una edición titulada “Mexico en el Centenario de si Independencia”, en 1910.

Eugenio Espino Barros nació en la ciudad de Puebla de los Ángeles, el 10 de octubre de 1883. A los 17 años, como aprendiz de fotógrafo, viajó con su maestro tomando fotografías por los pueblos, a sus gentes y sus fiestas . Años más tarde y con la ayuda de su hermano, Eugenio empezó la fabricación de una cámara 8 x10. Toda su vida trabajó sólo, desde la preparación, toma, revelado y retocado de negativos así como el revelado e impresión de la fotografías. La primera vez estrenó su flamante cámara fotografió a un grupo de empleados del ferrocarril. Los resultados fueron tan exitosos que a los cinco meses pudo dejar el empleo de ferrocarriles, para dedicarse a la fotografía.

En el año de l908 Eugenio tuvo la idea de realizar el álbum México en el Centenario de su Independencia. Él mismo habló con personas con recursos económicos para convencerlas de financiarlo. Se formó una sociedad anónima para la realización de dicho álbum. La tarea no fue fácil por las circunstancias del país en esos años por la incipiente revolución y las vías de comunicación deficientes).

Esta obra tiene un gran valor artístico, técnico e histórico como se puede comprobar en las fotografías que en ella aparecen pues nos habla de una época de hace ya más de cien años.

Eugenio Espino Barros murió a los 95 años de edad, en agosto de l978, en la ciudad de Monterrey. Nunca dejó de fotografiar. Fue un hombre visionario, con ingenio agudo, que gozó de excelente salud, disciplinado y práctico.

Descubre algunas de las imágenes del legado de Eugenio Espino Barros.

La polifacética actividad de Carlos Saura incluye el cine -en la que ejerce labores de director y guionista-, la fotografía -disciplina que practica incluso con anterioridad al mundo cinematográfico-, la literatura -a través de un selecto grupo de novelas-, el teatro y la danza -como director de escena-, y, por si eso fuera poco, el dibujo y la pintura -que practica en dos modalidades bien distintas: los llamados “fotosaurios” o fotografías pintadas, y sus dibujos con texto.

En estos momentos está teniendo lugar en el Teatro Fernán Gómez de Madrid, una exposición con entrada gratuita, de la obra fotográfica de este artista multidisciplinar. Un homenaje a sí mismo, a su universo creativo bajo el nombre “Otras miradas de Carlos Saura”.
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Esta edición de Julien Busselle es muy útil para aquellos que dedican tiempo a revelar fotografía en laboratorio y están faltos de ideas y consejos.

Las imágenes que aparecen en el libro quedan explicadas en todo su proceso: detalles técnicos de la toma, detalles de la ampliación (tipo de papel, segundos de exposición, diluciones…) y detalles de los efectos creados.

Los capítulos se dividen en: Películas y reveladores especiales; Virados (efectos, consejos y técnicas de virado múltiple y parcial); Filtros y pantallas; Materiales lith; Procesos alternativos (cianotipo, argirotipo, goma bicromatada, coloreado a mano); técnicas de laboratorio de Matt Anker, Jo Crowther, Emma Delves Broughton y Michael Miller.

Todo lo que necesitas saber para empezar a revelar y ampliar tus fotografías en blanco y negro.

Para encontrar esta edición de “Copias y efectos especiales” en nuestra tienda on-line, pincha aquí.

Garry Winogrand (Nueva York, 1928 – 1984). Practicante y pionero de la fotografía callejera (“street photography”). Su trabajo aparece expuesto por primera vez en 1963 en el Museo de Arte Moderno (MOMA) de Nueva York.

El trabajo de Garry Winogrand estaba influido por los de Walker Evans y Robert Frank, y por las publicaciones “American Photographs” y “The Americans“. Por supuesto, también Henri Cartier-Bresson fue de gran influencia, aunque sus estilos sean totalmente diferentes. Winogrand nunca buscaba una “foto bonita”.

La capacidad de anticiparse al suceso y la habilidad para tomar la fotografía con rapidez son las dos características más destacadas de los practicantes de la “street photography” y Cartier-Bresson está considerado en este sentido no sólo uno de los pioneros sino también el mejor en ambos aspectos, siendo su texto “El momento decisivo” uno de los más influyentes.
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Para conocer más a fondo el trabajo de Beñat Maiz, ex alumno de IVASFOT pincha aquí.

A lo largo de los dos años que transcurren en el Curso Profesional de Fotografía de IVASFOT, los alumnos estudian diversos monográficos. Publicidad, Moda, Reportaje, Edición Digital, Técnicas creativas, Reportaje social, Historia de la fotografía o Fotografía de Autor, son las asignaturas que afrontan los alumnos durante estos dos años.

Sin dejar de avanzar en las últimas técnicas digitales, en IVASFOT los alumnos mantienen la relación con la fotografía analógica y sus diversos formatos: 35 milímetros, medio formato y gran formato, pasando incluso por la cámara estenopeica.

Los alumnos de segundo año del Curso Profesional de Fotografía trabajan en estos momentos con las cámaras de placas durante el monográfico de “publicidad” que imparte el director de la escuela, Javier Aramburu.

El orden y el método, acompañados de una formación técnica son imprescindibles para llevar a cabo cada uno de los proyectos. El trabajo del fotógrafo con la cámara de placas es lento y minucioso. Os dejamos una galería con imágenes de la última clase de publicidad.

Para tener más información acerca del Curso Profesional de Fotografía, pincha aquí.

Pepe Navarro es fotógrafo y escritor. Habitualmente vinculado con proyectos relacionados con la defensa de los derechos humanos. También es licenciado en Ciencias Económicas y en Historia Contemporánea cursó sus estudios de fotografía en los Angeles, California.

El año 1993, realizó una exposición de 20 fotografías, tomadas en Cabo Verde durante una estancia de 2 meses que lo llevó a varias de las islas del archipiélago y que se convertiría en su primer viaje como fotógrafo profesional, un trabajo que realizó para Médicos Mundi. A partir de ese momento, el fotógrafo catalán ha llevado sus lentes a multitud de países como Sri Lanka, Perú, Cuba, Angola o Los Ángeles.

Este artista multidisciplinar, tiene por costumbre acompañar sus fotos con poesías o textos que refuercen su carga emotiva, y tiene en su haber más de 30 publicaciones, entre las que destaca “es La Habana”, editada en 1996. De esta publicación hemos extraído una galería de imágenes que muestran de forma clara, honesta y bella, una de las ciudades que más interés suscita y que al mismo tiempo convive con una gran ignorancia sobe su realidad.

En la librería de IVASFOT puedes encontrar “es La Habana”, de Pepe Navarro.

www.pepenavarrophoto.com